Etappenweise nimmt er die Vorgeschichte der seltsamen Begegnung wahr, erkennt, dass die beiden zumindest eine kurze Liebesnacht und viele falsche Versprechungen verbindet. Geplatzte Hoffnungen, ungelebte Träume. Nun sitzen sie im Park herum. Zwei gebrochene Seelen allein auf einer Bank. Sie können einander nicht verstehen, denn die Lügengebäude, die er immer errichtet, werden durch ihr Misstrauen in steter Regelmäßigkeit zerstört. Und doch kommen sie nicht voneinander los. Es ist, als ob die Zeit stehen geblieben ist und die Vergangenheit allmählich so wertlos wird wie die Zukunft, die die beiden in seltsamem Überschwang mal rosarot, mal tiefschwarz zu erkennen glauben. Was dagegen zählt, ist dieser Schwebezustand namens Gegenwart: Ein undefinierbares Etwas zwischen gestern und heute. Endlos lang und gespickt von Zweifeln aus der Vergangenheit und Ängsten vor der Zukunft.

Der russische Regisseur Mac Bekov zeigt mit seiner eindringlichen Charakterstudie mehr als ein starkes Stück Gegenwartstheater. Er umreißt ein Stück kalter russischer Realität, in der die Lebenslüge ebenso zum Alltag gehört wie die Lethargie und der Lebensüberdruss. Es ist wie bei Tschechow, nur dass sich hier die Figuren (Claudia Scholl als Glück suchende Wera und Sascha Kudella als "Er") des gegenseitigen Betrugs und ihrer permanenten Enttäuschung immer neu bewusst werden. Am Ende geht langsam das Licht aus. Und man ahnt, dass die beiden auf der Bank den quälenden Schwebezustand namens Gegenwart wohl nie verlassen wollen.

War in Shaws Stück Napoleon der Mann des Schicksals, so wurde das Schicksal Bekovs durch das sozialistische System bestimmt. Ein bewegtes Leben hat der heute 46jährige hinter sich und temperamentvoll erzählt er seine Geschichte, in der das Theater, die Politik und die Suche nach dem Sinn des Lebens eine Rolle spielen.

Bekovs Eltern, die in Tschetschenien lebten, wurden 1944 unter dem Vorwand der Kollaboration nach Kasachstan abgeschoben. So wuchs Bekov mit dem Bewußtsein auf, ein Feind zu sein. "Noch bevor ich lesen und schreiben konnte, war mir der Konflikt meiner Identität bewust. Ohne wirklich zu wissen warum, wurde mir deutlich gemacht, das ich als Verbrecher galt". Dieser Konflikt zog sich durch das weitere Leben Bekovs, der sich entschieden hatte, nicht dem System, sondern seiner eigenen Wahrheit zu folgen.

Schon als Junge interessierte er sich für das Theater. Bereits mit elf Jahren begegnete er Arsenij Ridal, der Schüler und Assistent von Max Reinhard gewesen war. Er gab Bekov den ersten Schauspielunterricht, und begeistert nahm dieser das Wissen des Theatermannes auf. Von 1973 bis 1980 studierte Bekov dann in Sankt Petersburg, dem damaligen Leningrad, Regie und Schauspiel. Ein Vorteil des Systems war, so Bekov, dass man mit dem abgeschlossenen Studium, dem Diplom, auch ein Engagement bekam. So arbeitete er als Regisseur und Intendant an verschiedenen staatlichen Theatern, und hat mehr als 30 Stücke von Shakespeare über Schiller, Brecht, Goethe und Gorki inszeniert.

Doch Bekov wurde nie Kommunist und ihm war klar: "Es gab zwei Wege für einen Künstler- der Partei zu dienen oder die Suche nach die Wahrheit." Mit diesem Weg war jedoch automatisch der Konflikt mit dem Staat programmiert. Bekovs Inszenierungen, die nicht immer systemfreundlich waren, wurden genau vom KGB beobachtet und entsprechend auf der "schwarzen Liste" registriert. Diese Schwierigkeiten führten dazu, dass Bekov 1985 nach Grosny ging, um sich dort mit seinem eigenen Volk auseinanderzusetzen und ein eigenes Theater zu gründen, das "Nationaltheater Inguschiens".

Das eigene Theater bot Bekov auch die Möglichkeit seine Ideen und seine Kritik entsprechend auf die Bühne zu bringen. Und so transportierte er seine eigene Auffassung von den politischen Gegebenheiten seines Landes in seinen Inszenierungen, womit er sich jedoch auch in Gefahr brachte. Als es dann 1991 zur Revolution kam, musste er fliehen und kam nach Deutschland.

"Das Leben in der Sowjetunion bot trotz der begrenzten Freiheit auch Hoffnung und Glück", sagt Bekov. "Das es gar nicht so schlecht war, habe ich erst jetzt begriffen." Doch er ist nicht zufrieden mit dem Lauf der Dinge. "Ich weiß nicht, ob ich etwas bewirkt habe, dennoch würde ich wieder genauso handeln." Sein eigenes Schicksal betrachtend, sieht Bekov jedoch, dass er viel Glück gehabt hat und so versichert er: "Wenn mich dieser Weg nach Deutschland gebracht hat, muss ich auch etwas für das deutsche Theater tun." Doch mochte er nicht seine eigenen Sitten und Normen demonstrieren. Er hält es nicht nur für ein Zeichen der Höflichkeit, sich zu integrieren, es macht ihm auch Spaß, sich mit der deutschen Sprache auseinanderzusetzen.

Sein erster Schritt in diese Richtung war es, das Theater "Eremitage" zu Gründen sein zweiter wird sein, eine Schauspielschule aufzubauen. Noch in diesem Jahr will er gemeinsam mit Sascha Kudella, Mitglied der "Eremitage", diese Schule in Hamburg einrichten. Die Ausbildungsstätte, derer Programm bereits steht, wird 30 Plätze für angehende Schauspieler und zehn für Regieschüler bieten.

Bekov, der selbst nach der Methode der weltbekannten Regisseurs Konstantin Stanislawski gearbeitet hat, wird diese auch an seiner Schule weitergeben. Den Eindruck von Natürlichkeit und Glaubhaftigkeit durch das präzise Spiel zu erreiche, ist Inhalt dieser Methode. " Die Aufgabe unsere Kunst ist, daß der Schauspieler mit Körper und Seele etwas darbietet" sagt Mac Bekov, der in dieser Arbeit eine große Verantwortung sieht. " Wenn wir etwas auf der Bühne darbieten, haben wir die Möglichkeit die Menschen zu beeinflussen. Darum müssen wir sehr bewusst mit unserer Arbeit umgehen."

Dass man etwas zu sagen hat, ohne in den Moment zu viel an sich selbst zu denken, ist der wichtigste Punkt in Bekovs Arbeit. Die wunden Stellen der Gesellschaft aufzuzeigen, sieht er als seine Aufgabe ,"Warum passieren Dinge mit Menschen, die keiner beachtet?" fragt er engagiert und sucht nach wie vor mit seiner Arbeit den Sinn des Lebens und eine Wahrheit zu finden, in der Menschen achtungsvoll miteinander umgehen. " Bei allem was wir tun, müssen wir den Respekt zum Publikum wahren. Der Sinn des Theaters ist, daß wir dem Zuschauer ein Stück Erlebnis schenken, ohne in dem Moment an uns zu denken, dann bekommen wir auch etwas zurück."

Dieser Regieeinfall gehört zu einer Inszenierung, der eine mutige Entscheidung vorausgegangen ist, die dann von Streit, Kündigungsandrohungen und einer Kündigung begleitet war und die am Freitag schließlich doch pünktlich zum Saisonauftakt über die Bühne des niederdeutschen Theaters ging: Tennesee Williams „Die Glasmenagerie“.

Nachdem Williams (1911-1983) durch freizügige sexuelle Darstellung als Drehbuchschreiber in Hollywood in Verruf geraten war, versuchte er sich 1944 erstmals an einem Theaterstück, der „Glasmenagerie“, und brachte es gleich zum durchschlagenden Erfolg. Schon hier sind die typischen Williams-Charaktere angelegt: Es sind Menschen, die gemeinsam – einsam die Vergangenheit oder die Zukunft verklären und die von der Realität genau so fliehen wie vor ihren Gefühlen. Hier sind es der Erzähler Tom, der seit dem Verschwinden des Vaters in ungeliebter Arbeit für den Unterhalt der Familie sorgt, seine Schwester Laura, die ihre Gehbehinderung zum vollständigen Rückzug von der Außenwelt kultiviert hat , und ihre Mutter Amanda, die Matrone eines Südstaatenlebens, das es nicht mehr gibt. Sie schwingt sich auf zur tragenden Figur des Dramas, indem sie ihre letzte Mutterpflicht erfüllen und ihre Tochter verkuppeln will: Gemeinsam mit ihrem Sohn inszeniert sie ein Rendezvous zwischen Laura und Toms Kollegen Jim, das anfangs genauso verläuft wie die Romanzen in den Hausfrauenzeitschriften, die Amanda verkauft, das aber am Ende buchstäblich einen Scherbenhaufen hinterlässt.

Roland Wehner hat hohe Gitterwände mit Tapetenstücken, Bildern und Spiegeln behängt und ein Möbelensemble im Südstaaten-Stil hinzugruppiert. Die ganze Machart dieses Bühnenbildes ist durchschaubar, ohne Selbstzweck zu sein. So spiegelt es kongenial die Vortäuschungen und halben Wahrheiten des Stückes wider, spielt mit der Illusion und räumt mit ihr auf.

So durchdacht die Szenerie, so überraschend ist dann auch das Spiel des vierköpfigen Ensembles. Anett Meyer (als Laura), Andreas Lembcke (als Jim), der sonst Schwank-fidele Bernhard A. Wessels (als Tom), und die ohnehin zuverlässige und vielseitige Elfie Schrodt (als Amanda) haben sich die Figuren in einer Weise zu Eigen gemacht, die hohes Stadttheaterniveau mühelos erreicht. Nichts kommt da mehr auf Stichwort, sondern aus der Situation, so dass es einem bei der „achtergründigen“ Darstellung buchstäblich „ziemlich wat bang“ wird.

Neben dem Ensemble ist diese Leistung dem in Worpswede lebenden Russen Mac Bekov du danken, der im Programmheft noch als Regisseur ausgewiesen ist. Gegen die Skeptiker im Aufsichtsrat wollte Derda ihm eine Chance geben, weil er die Arroganz deutscher Theaterleiter kenne und weil er die Konstellation „ein Russe inszeniert ein amerikanisches Stück auf Niederdeutsch“ spannend fand. Doch als die Premiere näher rückte, begann ein Streit um Probezeiten, Ausstattungsaufwand und Schauspielerführung. Schließlich sprach der Mächtigere ein Machtwort, strengte mit Hilfe des vorausschauenden Aufsichtsrats Bekovs Entlassung an und vollendete die Inszenierungsarbeit selbst. Unterm Strich bleibt der Eindruck, dass Bekovs theaterhandwerkliche und psychologische Professionalität für das Budget und das Theaterverständnis im Waldau-Theater einfach ein paar Nummern zu groß war. Doch immerhin legte er so die Grundlagen für eine Inszenierung und für Bilder, die in diesem Theater lange nicht oder sogar noch nie zu sehen waren: Das vergnügungshungrige Waldau-Publikum folgte dem Geschehen spürbar aufmerksam, war „voll da“.